Entrevista a Humberto Castro
ILEANA PÉREZ DRAGO
Humberto Castro. La Habana, 1957. Artista multimedia graduado de la Academia de Artes Plásticas San Alejandro y del Instituto Superior de Arte en La Habana. Reside en Miami desde el año 2000. La obra de Castro es hoy cotizada internacionalmente y considerada como uno de los exponentes más importante y original del arte neofigurativo Latinoamericano. Artista Multimedia trabaja en pintura, escultura, dibujo, grabado, cerámica e instalaciones. además de incursionar en la fotografía y el Video-art a partir de la primera década del 2000.En su temprana edad, en el periodo de los 80 en La Habana trabaja también el performance, utilizándolo especialmente para la crítica social en su país. Reconocido internacionalmente es uno de los más activos miembros de la históricamente conocida generación de los 80 en Cuba, la cual generó cambios estéticos y conceptuales en la escena artística de la isla.
In 1983 funda el equipo Hexágono, donde junto a otros artistas, realiza instalaciones en el exterior con el objetivo de provocar la participación del público. Entre 1980 y 1984 produce una extensa obra gráfica, dentro de la cual realiza innovaciones en la técnica de la calcografía. Ha diseñado escenografías para teatro y cine en Cuba.
In 1989 emigra a Paris, Francia, donde durante diez años vive y participa activamente en la escena intelectual parisina, realizando exposiciones y conferencias a través de Europa. En 1999 cambia su residencia a los Estados Unidos, donde vive y trabaja actualmente. Recientemente le concedió esta entrevista a Insularis Magazine
1. Está terminando el 2025 y este año expusiste la serie Haiku en la Galerie Akie Arichi en Paris. Cuál fue tu motivación para esta serie y cómo fue la experiencia de esta exhibición?
La exposición está conformada sobre la vinculación de dos ideas, la primera tiene que ver con la relación entre el ser humano y el mar, expresada en una serie de pequeños formatos que realicé el año pasado. La segunda tiene relación con una de mis lecturas favoritas: el haiku. Esta forma de poesía japonesa me interesa mucho desde hace años por su sencillez y la manera en que con pocas palabras puedes decir una gran idea.
En la época en que viví en París durante los 90 trabajé con varias galerías y una de ellas es la galería Akie Arichi, eminentemente parisina, pero de origen japonés, y allí muestran sus obras algunos artistas japoneses. Por otro lado, existen muchos otros elementos de la cultura japonesa que me han interesado en diferentes etapas de mi creación, entre ellos las acuarelas y los grabados. Sabemos que los artistas japoneses fueron de los más refinados en estas técnicas e influido por su metodología he realizado varias series de acuarelas en distintos momentos de mi carrera.
Este año la galería Akie Arichi me propuso una exposición para el verano y me pareció que era el momento preciso para realizar una serie que tuviera que ver con el mundo japonés y de cierta forma hacerle un homenaje a esa cultura que tanto me ha ofrecido para el desarrollo de mi trabajo.
Así me surgió la idea de realizar la exposición con pequeños formatos que, de hecho, se adaptan muy bien a lo que es un haiku. Pinturas en acrílico muy pequeñas, de 20x25 pulgadas y, como ya estaban realizadas, establecí un sistema inverso, en vez de ilustrar los poemas, escribí un poema haiku para cada obra.
La experiencia de esta exposición fue maravillosa, no solamente por haber traído a la luz una serie con nuevas ideas sino además por el reencuentro, después de muchos años, con amigos y coleccionistas parisinos. Así como recorrer nuevamente los museos y las calles, en las cuales viví por más de una década. Puedo decir que por falta de una, tengo tres patrias: Cuba, Francia y los Estados Unidos.
Cloris # 1, 2024 Golden visions serie, 36 x 48 inch
Cloris # 3, 2024 Golden visiosn series, 36 x 48 inch
2. Tomaste la decisión de vivir en París después de algunos años de experiencia profesional y allí permaneciste por 10 años. Cómo influyó este cambio en tu obra?
Llegué a París con 32 años después de haber tenido ya una carrera exitosa en La Habana, pero París fue como nacer nuevamente y volver a hacerlo todo desde cero. Cuando llegas a una ciudad como París, en la que hay millones de artistas hay que batirse duro. Creo que la constancia en el trabajo me ayudó a lograrlo. Como siempre digo, no creo en la inspiración, creo en el trabajo diario. En París surgieron nuevas series, nuevos temas completamente diferentes a todo lo que había hecho en La Habana, no solo porque estaba inmerso en otra cultura, también una nueva lengua y otra idiosincrasia, esto aunque parezca que no te influye, te dirige a otros caminos y así fue. Mi obra cambió de una forma positiva y tomó otro rumbo.
El regreso para mí siempre se efectúa de una manera espontánea, no soy nostálgico para nada. Aunque recuerdo, amo y extraño, la nostalgia no me vence. Por otro lado, desde que me instalé en los Estados Unidos en el año 2000 no es la primera vez que hago exposiciones en Francia. Esta es la tercera desde esa fecha, pero siempre el reencuentro con los viejos amigos es gratificante y conmovedor.
3. Este año tuvimos la oportunidad de ver el documental “The Walker” sobre tu vida y obra, durante el Miami Film Festival. Qué pudieras compartirnos sobre el proceso creativo y de producción?
Sueños en el jardin, 2024 acrylic, gold leaf and recing, 48 x 60 inch
Fue un largo proceso de trabajo y creación en el que durante un año y varios meses nos enfocamos en la búsqueda de todas las imágenes, fotografías, videos, en escanear todas las fotografías, pasar a formato digital los vídeos y textos. En fin, hay un trabajo preliminar inmenso que fue facilitado gracias a que tengo un archivo muy completo sobre mi trabajo. Revisamos cajas de documentos y fotografías que fueron el punto de partida para el éxito del documental, con ese material la mitad del trabajo estaba ya avanzado. Por otro lado, estoy muy satisfecho con el resultado creativo aportado por el realizador Raúl Dorticós, ambos trabajamos arduamente y creo que el resultado final es satisfactorio.
Estoy muy agradecido a todos los que contribuyeron para la realización de este documental, a la galería Latin Art Core, y a todos los artistas, críticos de artes y participantes que nos dieron su tiempo para la realización de este material.
Por otra parte, es una suerte haber podido, en vida, dejar este legado para el futuro, que a través de mi palabra queden plasmadas mis ideas para las nuevas generaciones.
4. Cuando se habla de la “Generación de los 80”, hay que mencionar tu nombre como uno de los principales representantes. Qué repercusiones tuvo en lo artístico y lo personal ese movimiento?
La generación de los 80, también llamada The Golden Generation, fue un movimiento espontáneo. Considero que la génesis fue una acción-reacción, dado que con el nuevo gobierno comenzaron las presiones para convertir el arte en un arma más de la política. Esto provocó que muchos artistas claudicaran y comenzaran a realizar un arte completamente desvinculado del experimento artístico como tal. Mi generación, que acababa de salir de las escuelas de arte con una visión totalmente distinta de la realidad, comenzó a chocar con estas teorías y se vinculó a las nuevas tendencias contemporáneas, abriéndose hacia el mundo. Esto provocó una ruptura con lo establecido hasta ese momento. Una ruptura que influyó profundamente a este grupo de artistas, creando nuevos estilos en cada uno de nosotros.
En lo personal fue el momento en el cual comencé mi carrera como artista y conformé mi estilo.
Humberto Castro
Humberto Castro
Humberto Castro
5. En 1982 creaste el colectivo “Hexágono” que tuvo vida hasta 1985. Quienes lo integraban? Cuál era la propuesta? Había otros colectivos “independientes” de artistas en esa década que inició con el éxodo masivo del Mariel?
La de los 80 fue una década de efervescencia artística, donde no solo en las artes plásticas se dio al traste con lo establecido, también en la literatura, el teatro, el cine, la danza, yo diría que en todas las ramas artísticas fue un período de alta creatividad y movimiento, aunque valga decir que las artes plásticas fueron la cabeza de esa ruptura, los artistas plásticos fueron los que dirigieron este movimiento.
La creatividad hacía vincular no solo a los grupos artísticos, sino que además los artistas se implicaban en el teatro, el cine y la danza haciendo escenografías o participando en coreografías y performances. Fue una época de total creación.
Cada colectivo tenía una propuesta diferente. En el caso del Equipo Hexágono, que era un grupo interdisciplinario, conformado por fotógrafos y artistas, la propuesta consistía en crear una obra aparte de la que cada uno realizaba personalmente y que sería el sello de Hexágono. En cuanto a los temas y el concepto, lo fundamental era el trabajo con materiales naturales y la interacción de la realización de la obra con el público.
Los grupos en las artes plásticas florecieron, no solo el Equipo Hexágono, sino también, Volumen Uno, Grupo Pure, Arte Calle, entre muchos otros que siguieron surgiendo todavía en los años 90.
6. Algunos artistas llevan varios proyectos a la vez, como si necesitaran “descansar” de cada uno. Tienes una tendencia en la forma de “organizarte”? Has ido modificando tu modo de trabajar?
Creo que he trabajado de la misma forma desde el principio. No sé si es que desde que comencé mi carrera tuve una luz que me guió a realizarlo de ese modo, un método que me ha funcionado hasta ahora.
Por lo general trabajo en series, eso significa que si estoy haciendo dibujos o pinturas con un tema, hago una investigación y una vez que siento que todo está en la línea entonces comienza a avanzar el tren. Por lo general, este tema y este tipo de figuración van a estar activas durante un tiempo, hasta que siento que se ha agotado el tema. Y entonces paso a una nueva etapa. No veo cómo pueden hacer esos artistas que tienen una obra lineal sin ningún cambio durante toda la vida, para mí eso es inadmisible, casi aburrido.
Además, puedo vincular esta etapa creativa con otra, o sea puedo hacer una serie de dibujos y al mismo tiempo una en cerámica o en escultura, depende de lo que me pida el tema.
Por otra parte, me gusta trabajar en las instalaciones, especialmente cuando son exposiciones en un museo o en una sala con mucho espacio. Las instalaciones me permiten vincular todas las superficies, puedo enlazar la fotografía con la pintura, la escultura, el cine, en fin, es un formato que te permite utilizarlo todo al mismo tiempo.
Puedo decir que soy un artista multimedia, porque hasta nuestros días he trabajado en todos los soportes existentes, incluso el video y el performance.
7. Cuál ha sido tu motivación para desarrollar tu obra en diferentes manifestaciones artísticas. Qué ha motivado en ti el paso de una a otra? Qué te ha llevado a experimentar?
Cuando abordas un tema, en cada superficie se desarrolla de manera diferente y los resultados de uno te sirven como posibilidades de experimentación para el próximo. Durante el proceso creativo es enriquecedor el hecho de cambiar de una superficie a otra, o sea pintar, dibujar, hacer escultura o cerámica.
La experimentación es la búsqueda, la cantera en la cual surgen las nuevas ideas. La experimentación es algo real y concreto.
Flowers in the Garden 2025, acrylic, gold leaf and recing, 48 x 60 inch
El Cardenal, 2025, acrylic, gold leaf and recing, 37 x 48 inch
8. Una parte de tu obra, quizás la más vinculada al tema cubano, está relacionada con la emigración y el mar, colocando al hombre en el centro de la tragedia. En una de tus recientes series aparece otra vez el mar pero desde otra perspectiva. Qué circunstancias han inspirado este “nuevo” mar?
El mar es el lugar donde voy a meditar, donde me siento calmado. El mar siempre ha sido algo muy importante para mí, desde pequeño mi relación con el mar, no con el agua, con el mar, ha sido algo muy profunda. Cuando estoy frente a él me llena de energía y de paz. Es inexplicable.
A lo largo de mi carrera, he realizado varias series que tienen que ver con el mar. Una de ellas es Ulises en la que se abordó el tema del éxodo a través del mar y se tomó la imagen de Ulises como conocedor del mar perdido en el mar Egeo, para asociarlo a estas personas que toman un rumbo incierto para tratar de llegar a algún lugar.
En la nueva serie trato el tema del mar, hablando de él mismo, de su conformación y las especies que lo integran, los peces, los moluscos, las estrellas de mar. Todo es un universo líquido y profundo del cual aún no sabemos su totalidad, pero del cual dependemos y que, por tanto, debemos cuidar. Este es mi nuevo tema sobre el mar, la serie Océano.
9. Los artistas noveles suelen sentir admiración y reconocen la influencia de otros artistas consagrados. Desde la madurez artística, cómo asimilas las influencias estéticas en la inspiración para tus obras?
Desde muy pequeño, antes de entrar en la Academia de San Alejandro, visitaba el Museo de Bellas Artes con mi abuelo y creo que fue allí donde tomé mis primeras influencias. Era muy pequeño, tendría solo 7 u 8 años, pero hacíamos filatelia, teníamos una gran colección de sellos de arte y él me llevaba al museo para mostrarme las obras que estaban reproducidas en los sellos. También yo comenzaba a tener una inclinación hacia la pintura y en el Museo de Bellas Artes encontré mis primeras influencias. Me quedaba impresionado frente a los cuadros de Carlos Enríquez, Acosta de León, Servando Cabrera, Landaluce y Romañach.
Pero, sin ningún pudor, puedo decir que desde la madurez aún me quedo impresionado con artistas como Francis Bacon y Anselm Kiefer.
Es curioso, porque realmente los artistas que disfruto y que me da placer observarlos son todos los clásicos, Rafael, Rubens, Tiziano o el Greco; abstractos americanos, como Jackson Pollock o Franz Kline, otros como Courbet, Hooper o Hockney. No son exactamente influencias directas porque en realidad no pinto como ellos y mi arte es totalmente diferente al de ellos, pero quizás me proporcionan una fuerza eléctrica que provoca en mí una influencia soterrada.
Con respecto a la inspiración, vuelvo a mencionar que para mí eso es un cuento, estoy completamente convencido de que trabajar día a día es la vía por donde vienen las ideas. Antes de comenzar una serie, realizo un estudio muy profundo sobre el tema que quiero abordar. Busco todo, absolutamente todo, lo que tiene que ver con lo que quiero hacer, una vez que me siento seguro en cuanto al tema y el tratamiento plástico comienzo la serie.
En realidad soy un depredador de arte, no solo me alimento de las artes plásticas, leo muchísimo, la música, el cine me apasiona, el teatro, la danza y el ballet, lo consumo todo y es una mezcla atómica de la cual surgen ideas. Recuerdo que desde muy joven, al inicio de mis estudios de arte, después de ver un grupo de danza moderna, un ballet clásico o un filme podía regresar a casa con una idea para una pintura.
10. Ahora que ya casi termina el año 2025, en qué tema estás trabajando?
Estoy trabajando en una nueva serie que comencé hace unos meses, incluso es un nuevo estilo. La serie “Golden Vision” se encuentra en pleno desarrollo y estoy preparando una muestra para el próximo año.
@humbertocastroart
Humberto Castro
Ileana Pérez Drago. 1964, La Habana, Cuba. Doctora en Arquitectura por la Universidad Politécnica de Madrid, Especialista en Restauración Arquitectónica por la Universidad de Valladolid y Arquitecta por el ISPJAE, La Habana. Su experiencia profesional la ha desarrollado en proyectos/obras de rehabilitación/restauración en el Centro Histórico de La Habana y en proyectos/obras de arquitectura de interiores en Madrid y Ciudad de Panamá. Dirigió la actividad docente y fue profesora en la Escuela-Taller Gaspar Melchor de Jovellanos de la Oficina del Historiador de La Habana en su primer ciclo. Investigó por más de diez años sobre la herrería colonial de La Habana en el siglo XIX. Como resultado de su Tesis Doctoral publicó el libro HIERROS DE LA HABANA con la Fundación Diego de Sagredo, Madrid. Actualmente reside en Miami.